o cómo sacudir la flojera al verte

Por Carlos Osorio

Allí estaré sin prisas lluviosa tierra mía. Modorro ante tus gestos, apurado, incierto. Pasado de frío, masticando el hielo que ofreces eterno. Te buscaré como siempre lo hago terruño flojo y desabrigado, mudo e ingrato, para decirte hoy, mañana, cuando quieras, y sobre todo cuando te dejes, lo que causas a quién se acerca ufano, en su caudal sencillo, honesto, intentando arrinconar tu soterrada ruta, despertándola con el acoso de buen y despierto caminante.

Como un conquistador intrépido de aldeas y pueblos si se quiere. Un soñador que va descuartizando pesadillas en aras de un armónico tranco. Tratando de atrapar con los brazos limpios y extendidos tú historia. Tus pequeños asuntos de esa identidad que portas, con la que gigante te arrogas el desprecio hacia quién necesita abuenarse, de una buena vez, de todas tus reiteradas faltas y, sobre todo, acalambradas ausencias.
Nunca tan igual al villano Cortés y su jauría de rufianes que, a propósito, ya supimos, financiaba Isabelita la católica en aras de llevar a otros paisajes su odiosa casta identidad y cuanto envenenado ideal de causas injustas, gracias al ronquido filibustero del machete y arcabuz por ella donados, o de esos otros, que hoy se arrogan el derecho de pasarnos por arriba sin que nada ni nadie los detenga. Sencillamente, en mi caso, un regalador de sueños e implacable cultor de buenos y atentos deseos.
Y si de semejanzas menos semejantes se trata, con un perfil quizás más parecido al del prócer Sucre, liberador innato de conquistas e imposiciones, que por todos los medios, también, soñó en alguna ocasión, al igual que otros, hacer del barrio sudamericano el lugar ideal para la vida y perfectible territorio liberado para sus hijos e hijas nobles, aquí me tienes.

Tratando, además, de humedecer con mi caminar y actuares, aunque sea un poquitito, tu árida y sintética villa seca, a estas alturas, ya colmada de moles de cemento y de casi ningún particular respeto por el otro. En suma, un colgajo de muros alineados que detienen y segregan a los más tan solo por tener menos, a los menos tan solo por ser menos y en menos medida a todos quienes te quisieran más distinta.

Y no me hables de patria, pequeña aldea de cemento, menos me propongas una matria justa, porque mientras tanto no resuelvas tu camino injusto, tan lleno de piedras importadas y adoquines globalizados, de aquel mercado mezquino que tu arribista seso prefiere, seguirás siendo tierra que desarraiga al que más te insiste, al que más te porfía.

Porque ese pareciera ser el propósito impuesto en el devenir del hombre y la mujer contemporáneos, almacenados ya, en tu frigorífico tianguis de ofertas, en el orgulloso almacén de barrio que detentas, abarrotado de adornos de barro, anegado por tanta agua que corre ahogada en los escasos ríos que aún no congelas y vendes en tu sueño de libre pesadilla de mercado eterno, auspiciado de forma abnegada por aquella neurona que privatizaste definitivamente y que tan solo, alguna vez, se encargó de velar por tu cultura y demases.

Porque son ellos y, deja incluirme arrebatado, los que vemos cada día más lejana la posibilidad de contemplar el tierral con arbustos y flores que promedien y balanceen nuestra existencia, al intentar tu, canjearla por la insoportable calidad de vida donada en el mortal crédito que nos toca, calzado a la fuerza, bien ajustado de agobios y sin sentidos, gracias al intocable modelito que cual tufo nauseabundo, nos respiras.

Entonces y junto a mí sed de ir a tu encuentro, querida y siempre escala técnica franja de camino, de escasa tierra, húmeda, por lo demás, querrás acaso que lleve algo más que mis huesos, para abonarlos en cuotas en tu mercado inhumano plagado de gusanos, o tan solo llevo, solita, mi alma, para no darle el gusto a los roedores y antropófagos que te pueblan sin soñarte siquiera justa.

Cuéntame algún día si es posible mi oferta. Mientras tanto y mientras pueda, seguiré mi ruta desterrada, sin egoísmos, solidario, sin culpas y solitario. Porque, deja confesarlo, no veo para cuando desistas en tu porfía de llamarte patria o tierra fértil, al ser tu, no más que un terreno resbaladizo e incómodo.

Tembloriento por lo demás, para quienes te buscan con el único afán de parar su bella humanidad, portada sin aspavientos, te decía, sobre tu frágil cimiento, otorgado por la maquinaria pesada que hoy te construye, sin contrapeso, en grandes porciones de cemento de desprecio por la vida. De cadenas de hierro que oxidan al individuo y lo peor, que los incrusta, por entero, al muro de los lamentos que tú, solita, gustas revestir y estucar sin que nadie te autorice.

Así entonces, deja curar mi sueño, aquel que en largas jornadas de desvelos me impusiste alguna vez, a partir de aquellas exiliadas siestas adolescentes, en donde te incluía presuroso, y hoy tan solo, ya más viejo, nunca tan dócil y lento, te aparto sin nostalgias, acomodando mi cabeza, pelona peluda, en la ligera almohada que espero me libere de tu duro insomnio, gracias a las plumas de pájaro libre que acicalan, suave, mis tiernos sueños.

El Museo Nacional de Bellas Artes será el escenario, a partir de hoy, de más de 90 piezas de pinturas, dibujos y esculturas de pintores que instalaron el gusto por el arte en la Argentina, entre los años 1876 y 1896.

Una muestra titulada "Primeros modernos de Buenos Aires (1876-1896)", que se propone reivindicar a los artistas de la llamada generación del 80 como Schiaffino, Sívori o De la Cárcova -quienes instalaron el gusto por el arte en la Argentina- abre al público hoy en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Más de 90 piezas, entre pinturas, dibujos y esculturas, conforman esta exposición que recorre la trayectoria de los artistas que fundaron en 1876 la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y luego de regreso de los viajes a Europa, crearon el Museo, la Academia, e instalaron -desde el Ateneo- la realización periódica de exposiciones de arte en la ciudad.

Se trata de un grupo de artistas que compartieron un proyecto nacional y cosmopolita a la vez, con el objetivo común de educar e instalar el gusto por el arte en la Argentina, e, idealmente, posicionar a Buenos Aires como una gran metrópolis del arte en América.

"En una ciudad casi sin tradición artística, ellos tuvieron un montón de iniciativas institucionales como exposiciones anuales en el ateneo, fundaron el museo, la academia. Y son el punto de partida de algo que no se detendría nunca", destacó la curadora, Laura Malosetti Costa, en diálogo con Télam.

Sin embargo, "en el fragor de los sucesivos combates por la modernidad ya desde la primera década del siglo XX, se los tildó de academicistas, cultores atrasados de la pintura oficial europea, ciegos en su momento a las avanzadas del arte de vanguardia".

"Siempre se les reconoció que fueron los grandes organizadores, pero se dijo también que como artistas copiaban cuadros de segunda línea, que eran los betunes de la academia europea, que eran anticuados, y en esta muestra yo resalto todo lo contrario, que eran cuadros modernos en su contexto", sostuvo la historiadora de arte, autora del libro "Los Primeros Modernos".

Para Malosetti, esta generación tuvo "voluntad de integrarse al mundo intelectual, interactuando con escritores, poetas e historiadores con el objetivo de generar ámbitos comunes de sociabilidad, e instauró un clima de modernidad artística".

Esta muestra recorre un período de veinte años, desde el momento en que fundan la Sociedad Estímulo, cuando sólo eran unos diez pintores muy jóvenes, hasta la fundación del Museo Nacional de Bellas Artes, veinte años después, entre criollistas, cosmopolitas, hijos de inmigrantes y descendientes de antiguas familias patricias, entre otros.

Las pinturas al óleo "Sin pan y sin trabajo" de Ernesto de la Cárcova, "El despertar de la criada" de Eduardo Sívori, "Reposo" de Eduardo Schiaffino y una réplica de "La vuelta del malón" de Angel Della Valle son algunas de las piezas más destacadas de esta importante exhibición.

Estructurada en cinco ejes, la más grande sala del Bellas Artes abre el recorrido con un espacio dedicado a las "academias", integrada por dibujos, bocetos, cuadros de sus maestros y también alguna escultura y continúa con numerosas obras de argentinos que participaron del "Salón de París", conformado como el segundo núcleo.

Un espacio dedicado al "Ateneo" y la reconstrucción de una retrospectiva de 1894 de Graciano Mendilaharzu, "un gran hallazgo -a juicio de Malosetti Costa- y de quien se conoce casi nada", conforman el tercer núcleo de la exposición.

Además, una zona de "desnudos", que fue "muy importante como campo de batalla de la modernidad", incluye unos trabajos "muy raros y nunca vistos" de Ernesto de la Cárcova y de Eduardo Schiaffino.

"Trayectoria" es el título del cierre del recorrido de la exposición, que alberga obras tardías de los artistas que sobrevivieron "porque la mayoría murieron muy jóvenes", apuntó la curadora.

"Primeros Modernos en Buenos Aires (1876-1896)" se podrá visitar hasta el 20 de agosto, de martes a viernes de 12.30 a 19.30 y los sábados y domingos de 9.30 a 19.30 en el museo ubicado en Avenida del Libertador 1473, con entrada libre y gratuita.

La necesidad de la puesta en valor fue destacada en las "Terceras jornadas internacionales sobre experiencias de revitalización de cascos históricos". Especialistas locales y extranjeros debatieron sobre temas vinculados al transporte, la seguridad, el espacio público y los conflictos sociales.

Stefano Storchi, integrante de la Asociación de Centros Históricos-Artísticos de Italia (Ancsa), sostuvo que para la revalorización de los cascos históricos urbanos es "fundamental la conciencia de la gente sobre el valor de los edificios de sus ciudades".

En el marco de las "Terceras jornadas internacionales sobre experiencias de revitalización de cascos históricos" -dictadas en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura porteña- Storchi subrayó a Télam el rol de la población en el cumplimiento de este propósito: "es más importante, dijo, que los técnicos y urbanistas que se dedican a esta tarea".

Esta condición -para el especialista italiano- ocurre cuando los habitantes de una ciudad toman conciencia del valor histórico y arquitectónico del lugar.

Cuando eso pasa, "las tareas de revitalización no encuentran resistencia en la población que, incluso, ayuda a desarrollar los programas".

Sin embargo, existen determinados factores que perjudican y dificultan las tareas de recuperación.

"Los problemas de movilidad urbana y de utilización de viviendas son temas -comenta el directivo de Ancsa- que afectan hoy a ciudades italianas como Roma, Venecia o Florencia".

"En la actualidad, los centros históricos italianos son ocupados cada vez más por comercios y oficinas, utilizadas por la gente para trabajar o como segunda vivienda", ilustró.

Storchi consideró como "buena",pese a esa problemática, la situación general de Italia, donde luego de 40 ó 50 años de trabajo la población se hace cargo del cuidado de los centros históricos y se "reconoce en esos lugares".

Para consolidar cierta armonía entre tradición y progreso, Storchi cree necesario encontrar una forma de transformación de los edificios históricos que no pueden conservar su función antigua sin perjudicar su valor histórico arquitectónico y estético.

Uno de los caminos posibles para lograr ese fin es el trabajo conjunto entre empresas públicas y privadas.

"La estructura pública no puede ocuparse de hacer todo", apuntó. En Italia -ejemplificó el especialista- existe una cooperación entre los distintos niveles de ese sector.

"Gracias al Estado y ciertas leyes sobre financiamiento, fueron posibles algunas intervenciones sobre la valorización de los centros históricos en diferentes regiones del país".

Admirador del barrio de San Telmo, el experto señaló que a diferencia de la capital italiana -con monumentos que tienen tres mil años de historia- el centro histórico porteño "es de reciente construcción".

El especialista anticipó también que su organización considera, dentro de sus proyectos, tomar como modelo la gestión argentina para la resolución de algunos de sus problemas.

"La problemática de Buenos Aires pasa por la conservación física pero también por la social. El compromiso de la gente por la revalorización de su ciudad es algo que buscaremos trabajar en conjunto", indicó.

"Una de las razones más importantes en la revitalización de los cascos históricos es el progreso social que genera a los que viven en esa ciudad", concluyó.

Durante el transcurso de estas jornadas, especialistas extranjeros y locales compartieron experiencias sobre problemáticas comunes en los cascos históricos como transporte, seguridad, utilización del espacio público y conflictos sociales.

Además, se establecieron vínculos entre ciudades y universidades para el abordaje de temas directamente relacionados con la salvaguarda de los Cascos Históricos como "una manera de vivenciar de qué modo, los temas de revalorización de los cascos históricos, es tomado por el sector privado".

Fuente: Télam

A partir de mañana se podrá visitar la exposición "Oyeme con los ojos", que reúne 90 fotografías de diez maestros que trabajaron en la región entre los años 1900 y 1950. La misma le permite al visitante introducirse en el silencio de imágenes detenidas en el tiempo, risas de un domingo de carnaval o sonidos de aquellas calles de una ciudad donde lo indígena y lo urbano contrastan con la vida diaria.

La exposición "Oyeme con los ojos", que se inaugura mañana a las 19 en el Centro Cultural Borges, pertenece a la Fototeca Andina del Centro de Estudios Regionales Bartolomé de las Casas de Cuzco que cuenta con 90 fotografías de diez maestros que trabajaron en la región entre los años 1900 y 1950.

El nombre de esta muestra en lengua quechua (ñawiykikunawan uyarimuway) permite al visitante introducirse en el silencio de imágenes detenidas en el tiempo, risas de un domingo de carnaval, sonidos de aquellas calles de una ciudad donde lo indígena y lo urbano contrastan con la vida diaria, como lo menciona Edgar Saba, Director del Centro Cultural de la Universidad Católica del Perú.

Estas imágenes captan la vida cotidiana de la ciudad de Cuzco y de algunas otras regiones y de manera especial intenta retratar los usos y costumbres del Perú de la época, los movimientos vertiginosos, los inicios del indigenismo y el desarrollo de una sociedad que convivió entre la aristocracia y los movimientos populares.

La Fototeca -considerada la más rica en imágenes de la región andina- fue creada en 1988 y tiene como objetivo la recopilación, difusión y conservación del registro fotográfico en blanco y negro de la vida cotidiana, la sociedad, la geografía, la ciudad, retratos en estudio y del campo del sur del país, anterior a 1950.

Para el sur del país, región de particulares raíces históricas, el rescate de la obra de una veintena de fotógrafos significa el redescubrimiento de una de las expresiones de mayor valor artístico y documental del patrimonio cultural.

Las imágenes son parte del trabajo de Los Hermanos Cabrera, Juan Manuel Figueroa Aznar, Sebastián Rodríguez, Miguel Chani, Pablo Veramendi, José Gabriel Gonzales, Eulogio Nishiyama, Fidel Mora, Horacio Ochoa y César Meza.

Hay fotografías de la primera llegada del tren a la ciudad del Cuzco, el trabajo en las minas de San Cristóbal en Ayacucho, una sociedad cuzqueña que busca retratar sus acontecimientos en estudios muy decorados, así como en haciendas majestuosas, como matrimonios, la muerte de sus niños y las calles de la ciudad donde lo indígena y lo urbano se mezclaban para darle contraste a la vida diaria.

La muestra se podrá visitar en el Centro Cultural Borges, Viamonte y San Martín, de lunes a sábados de 10 a 21 y los domingos de 12 a 21.

por Fabián Banga

¡Qué tristeza siente uno al ver como cayó Nueva Chicago el lunes! No caer al descenso, porque quizás eso es irrelevante. La tristeza es ver caer al Torito en el aquelarre que se vivió en las calles de Mataderos. La muerte de Marcelo Cejas de un piedrazo es intolerable, inaguantable y si uno no está asqueado por esto, es porque no está bien de la cabeza. La muerte de este hincha de Tigre es de alguna forma también, la muerte del Torito. Por lo menos del Torito que yo tengo en el corazón.

Es la muerte del barrio, de los chicos escuchando el partido en la portátil, las caminatas por la vía muerta hasta la General Paz para llegar a ese potrero de tablones de madera y alentar a estadio medio vacío al equipo de la B. Ese es el Chicago que yo recuerdo. Quizás, quedó todo en pausa por ya no vivir hace 15 años en la Argentina. Al irse, lo que a uno le queda es ese equipo alentado desde Villa Madero, el aferrado enemigo del Gallo y Brown. Enemigos que producían desmán que no pasaba de tres cachetazos en una estación de trenes.

Lo que se vio el lunes es otra cosa. Se vio la enfermedad de una sociedad atada con alambres que no termina de solucionar un problema marginal íntimo. Algunos señalan a Los Perales, las Villas, pero lo que se vio es un poco todos nosotros inmersos en una realidad social fragmentada y sin contención. Las cámaras de televisión mostraban ese retrato triste del colectivo incendiado que tranquilamente, como comentaba un amigo hincha de Chicago, bien podría ser de las calles de Bagdad. Y lo peor, lo infinitamente mezquino y miserable, dos o tres en frente del colectivo incendiado haciendo alarde de lo que habían hecho. Los autos del barrio de Mataderos rotos, locales... ¿Qué tenia que ver el colectivero de la línea 21, al que bajaron a trompazos? Eso, no me cabe, no es Chicago, no es el Chicago de la hinchada barrial, de ir con los chicos a ver el partido. Chicago murió de alguna forma con el hincha de Tigre. No queda duda de eso.

En casa de mis viejos somos todos de Chicago; bueno, casi todos. Mis abuelos eran de Chicago, y un tío italiano que me crió como su nieto, era de San Lorenzo, pero en la B era de Chicago. Siempre fue así, Boca, San Lorenzo, Independiente en la A, y todos de Chicago en la B. Porque perpetuamente lo digo, no me imagino a Chicago como equipo de la A. La A le hace mal a Chicago. Lo ensucia, lo infla en algo que no es. Le quita esa áurea de sábado, de barrio. Y ahora, finalmente lo hirió de muerte.

¡Qué tristeza por la familia de Marcelo Cejas! Yo como hincha de Chicago digo públicamente que me duele en el alma que algo así haya pasado. Estoy seguro que miles de hinchas me acompañan en esto. Pero más me duele que lo hayan hecho inadaptados con la camiseta del Torito. Tigre fue mucho más que Chicago, y merece mil veces estar en la A. Pero el club, el Torito y su historia, no se merecían esto. Esa destrucción y humillación de ver a los jugadores desnudos corriendo desesperados para que no le quiten la ropa.

Ahora vendrán las sanciones durísimas que con huevos, vamos a tener que comérnoslas. Pero lo más lamentable es que lo que la van a sufrir más, son los hinchas de verdad, los que verdaderamente quieren al club por lo que es y por su historia. Los que destrozaron la cancha del propio Chicago, el lunes, no me entra que esos sean hinchas del Torito. Por eso, si tiene que descender al la B metropolitana, y el equipo queda con el 25% de los hinchas, quizás va a ser para mejor. Ojalá que se limpie todo esto y que haya tiempo de duelo, no que todo se olvide con la Copa América. Es una semana muy triste para Mataderos, muy triste para los que queremos al Torito desde el cuore.

El trabajo costará cerca de 200.000 euros y demandará de 18 meses, y podrá ser observado por todos aquellos que concurran al Museo de Bargello, en Florencia. La famosa escultura en bronce fue realizada en 1440 por el maestro renacentista.

El David de Donatello, la famosa escultura en bronce realizada por el maestro renacentista en 1440, será restaurada durante los próximos 18 meses en el Museo Bargello de la ciudad italiana de Florencia y el trabajo podrá ser observado por el público en las horas de visita a la institución.

La restauración de la conocida escultura -el primer desnudo total del arte occidental desde la época de los romanos- tendrá un costo aproximado de 200.000 euros, afirmó la intendente del Polo de Museos Florentinos, Cristina Acidini.

Los trabajos destinados a recuperar y mantener la valiosa obra artística -la cual hace más de un siglo que no se somete a una tarea similar- se realizarán a partir de técnicas de vanguardia, como el uso del bisturí y del microscopio.

Otras de las herramientas que se utilizarán para restaurar al David será un rayo láser especial, que servirá para limpiar las partes doradas y más frágiles de la obra, agregó Acidini.

La restauración podrá ser seguida en directo por los visitantes al museo, ya que la sala donde se realizará estará abierta al público y un circuito cerrado de televisión mostrará detalles del proceso, informó el portal de Internet del diario español El Mundo.

El David de Donatello mide 159 centímetros de alto y tiene una circunferencia de 51 centímetros. Construido por encargo de la poderosa familia Medici, representa un joven de formas perfectas que constituye el canon de la belleza masculina de esa época.

O las mamaderas con leche

Ser “mamila” en México, es sinónimo de arrogante, desenfadado, cortante, aburrido, y así lo hacían ver quienes hace unos días atrás, intentaban convencerme de ir al Estadio Azteca en pos de la final del fútbol local. La verdad es que mi negativa se relacionaba también con las mamilas, pero aquellas con leche. Biberones y mamaderas se han transformado durante estos meses, en mi única preocupación en pos de satisfacer la tripa nutritiva de la nueva integrante del plantel familiar. Alimentar a las fuerzas básicas, definitivamente consume un buen tiempo, allí están los jadeos, llantos y quebrantos del lomo en ambas escuadras rivales y que cada jornada, se reencuentran gustosamente en un cariñoso fair play a pesar de los muchos pañales desechables que arden de juego sucio. Además que en la práctica láctea, la chamaca no tuvo la posibilidad de disfrutar titularmente de la teta materna post natal, tan cobijadora de nutritivas y sustanciosas pócimas. Tal vez y por lo mismo, esta hija en franco desarrollo, algún día practique un deporte digamos más delicado que el del fútbol, no vaya a ser que descuide la plenitud y amplitud del variado rubro deportivo, en pos de andar atrás de las pelotas de alguien.

Al final de cuentas y presionado por las circunstancias del rey de los deportes, nos fuimos de estadios y finalísimas. Ir al coloso de Santa Ursula en el antiguo pueblo de Coapa, al sur de la Ciudad de México, se transforma en un colapso de paseo dominical. Construido y diseñado por arquitectos mexicanos, amantes de la monumentalidad, orgullosos de su pasado azteca, zapoteca, totonaca, mixteca, tolteca y etcétera, olvidaron que las arterias que llevan al recinto, podían haber sido proporcionales al número de visitantes fanáticos que acudirían al evento de turno. Proyección a futuro supongo que se podría llamar eso, en términos urbanos. Seguramente esos “lúcidos” y egoístas personajes tan solo se esmeraban en objetivos “patrios” muy personales de la buena paga y algún premio otorgado por el gremio de arquitectos, no dudando eso si, en crear una mole de cemento tan descabellada y demoledora de modo que quedara claro ante el mundo que, en México, encarrerado el ratón, que se jodan los pinches gatos.

Así, el soccer, término demasiado utilizado en estas tierras en la orfandad del idioma inglés para referirse al balompié, nos deletrea y habla, que duda cabe, de aquella realidad de encontrarnos en un país ubicado muy lejos de dios y demasiado cerca de los estadosunidos. También, por qué no, del deseo de muchos habitantes mexicanos de arribar y de pertenecer en cuerpo y alma, al sueño americano del millón de dólares, del feroz automóvil y si se puede, parecerse un tantito más a estos rubios republicanos del norte, agüita oxigenada de por medio. Pero tampoco podemos olvidar a los miles de otros que emigran día a día muertos de hambre, a esas tierras de la oportunidad a pesar de los peligros que esta travesía representa, tanto por las condiciones climáticas del cruce a pié como también últimamente, debido a la presencia de los grupos nacionalistas - asesorados seguramente por el otrora soplón “garganta profunda” - que enfermizos y paranoicos, al igual que su presidente de turno, delatan, humillan, torturan o llevan a la muerte a quienes osen cruzar su frontera ideológica, en este caso, al norte del Río Bravo.

Decíamos entonces, que este templo de la adoración al gol, ha sido sede de dos mundiales futboleros, unas cuantas misas papales y un sin número de conciertos musicales de corte internacional, sin faltar las peleas de box, en donde la afamada escuela mexicana, mantiene un número importante de machucados campeones del mundo. Por tanto, no deja de ser interesante visitarlo. Allí tuve la dicha de ver al maestro Maradona en la cúspide de su carrera, en aquel inolvidable triunfo del seleccionado albiceleste sobre la flemática y colonial Inglaterra en el año 86 y que a la postre, le permitió acceder al campeonato, mano de dios incluida. Pero no vayan a pensar en que tuve la fortuna de estar al interior del estadio, no señores, la mano de la reventa especuladora, no me ayudó mucho. El consuelo más bien, fue la prehistórica pantalla gigante de nuestra imaginación y que acondicionada en nuestras mentes de pichanga y cascarita de barrio, nos hizo vibrar junto a los doscientos mil y tantos huérfanos de la butaca, apostados tristemente, en los alrededores del mentado estadio.

Pero la historia no se volvió a repetir en esta ocasión. Para esta final local, quedé adentro, si señores, a boca de jarro junto a ciento veinte mil hinchas que vibraron cual cólera, con el partido entre las águilas del América y los tecolotes de la Universidad Autónoma de Guadalajara - cabe agregar que los equipos de la liga local, llevan nombre de animalito o de pajarito – que entretuvieron al respetable, haciendo nueve goles en conjunto. Permitiendo además, la euforia de la fanática concurrencia que curiosamente y por suerte del espectáculo, aún asiste en familia, con su camiseta favorita incluida, al disfrute del partido de turno, y a propósito de mamilas o mamaderas, es posible consumir impunemente, la rica cerveza que permite coronar la victoria del equipo favorito a pesar de la presencia de las barras bravas locales, apenas unos niños de pecho comparadas con aquellas otras del hemisferio sur y que tan mala fama arrastran por el mundo.

Allí andaban los piojos López deleitando con su andar canchero y metiendo goles de lo lindo. No en vano gana 170 mil dólares mensuales y curiosamente a ninguno de los especialistas del balompié, se le ocurrió insinuarlo como refuerzo para estos días de copas libertadores, en donde un mudo Boca Juniors vino a México tan solo para llevarse cuatro goles en contra en su duelo ante el otro representante del estado de Jalisco, las chivas del Guadalajara que mención aparte, en un acto desmesuradamente chovinista, cuenta con un plantel plagado de puros nacionales. Todo lo anterior, no se piense que es mera invención, lo dicen los diarios deportivos locales que a propósito, anuncian para próximamente, el duelo entre el Inter de Milán contra el seleccionado del EZLN. El Sub-comandante Marcos hizo la invitación a los sensatos Javier Zanetti y compañía, quienes aceptaron gustosos el compromiso que seguramente, se llevará a cabo en cancha neutral. No vaya a ser que la inteligencia política, militar y últimamente económica, a cargo en este caso del grupo BBVA-Bancomer, sigan metiendo su mano saquera, con afán de capear sus malos resultados durante la eterna temporada del neoliberalismo y quieran, en esta ocasión, aprovecharse de las circunstancias para cancelar a las huestes de Zapata de un solo pelotazo. Por suerte guerrillero-peloteras, entre los invitados seguramente por confirmar se cuenta a Diego Armando Maradona, como árbitro del cotejo, Eduardo Galeano y Mario Benedetti, como locutores del encuentro y por último a Jorge Valdano, seguro entrenador de este modesto equipo de la esperanza. Espero también, me puedan invitar, a pesar que justo a la hora del partido, probablemente deba darle tres onzas de leche a la pequeña Emilia Mailén, a modo de subir su puntaje nutricional, no vaya a ser cosa que quede de colista en la tabla de posiciones de los recién nacidos.

El escritor israelí Amos Oz, Premio Nobel de Literatura y uno de los autores más comprometidos con el proceso de paz en Medio Oriente, se perfila como uno de los favoritos para quedarse con el Premio Príncipe de Asturias de Las Letras, cuyo fallo será dado a conocer mañana.

Oz recibió hoy el apoyo mayoritario del jurado del Premio, presidido por el Director de la Real Academia de la Lengua Española, Víctor García de la Concha, quien lamentó la ausencia "de los grandes escritores en lengua española".

El académico aseguró que entre las 35 candidaturas presentadas no hay "figuras relevantes" de la literatura hispana y achacó esta ausencia al "desaliento" generado por el hecho de que en los últimos seis años el galardón recayó en autores en lengua extranjera, según el portal Europa Press.

Entre la lista de candidatos se encuentran autores como el británico Martín Amis, el poeta español Antonio Gamoneda y el peruano Carlos Germán Belli de la Torre, el novelista italiano Antonio Tabucchi y el holandés Cees Nooteboom.

También están la canadiense Margaret Altwood, el mexicano Fernando del Paso y el libanés de origen sirio Ali Ahmad Said, que firma sus poesías con el pseudónimo "Adonis".

Entre los miembros del jurado que apoyaron la candidatura del escritor israelí con mayor energía se encuentra Luis María Ansón, fundador del diario español La Razón, que aseguró que el "gran acierto" de universalizar los Premios Príncipe de Asturias ha permitido acceder a esta distinción autores de "primer relieve" como Oz.

Respecto a la ausencia de candidatos hispanos, el ex director de ABC, que destacó también las propuestas del albanés Ismael Kadare y el estadounidense Edward Albee, consideró que, al igual que con los Nobel, la proporción de galardonados con el Príncipe de Asturias de las Letras procedentes de este ámbito debe situarse "en torno al diez o el doce por ciento" del total.

Para el escritor español Marcelo Armas, que también integra el jurado, Oz es un autor "minoritario, pero eso no quiere decir nada", ya que cuenta con un amplio reconocimiento "intelectual y académico" a nivel internacional.

Armas lamentó también la ausencia de autores españoles, al margen de Antonio Gamoneda o del novelista Arturo Pérez Reverte, "para el que todavía es pronto".

Rosa Navarro, catedrática de literatura y editora de amplia experiencia, dijo que el compromiso de Oz con la defensa de la paz coincide con un momento de "crisis absoluta" en Oriente Medio, pero el autor "no sólo merece el premio por eso, sino por la belleza, la hondura y la riqueza de su creación literaria".

El galardón, dotado con 50.000 euros y una estatuilla diseñada por Joan Miró, es el cuarto que se falla este año tras los de Cooperación Internacional (Al Gore), Artes (Bob Dylan) e Investigación Científica y Técnica (Ginés Morata y Peter Lawrence).

En ediciones anteriores obtuvieron este premio autores como José Hierro, Juan Rulfo, Ángel González, Mario Vargas Llosa, Camilo José Cela, Claudio Rodríguez, Carlos Fuentes, Francisco Umbral, Günter Grass, Augusto Monterroso, Doris Lessing, Arthur Miller, Susan Sontag, Claudio Magris y Paul Auster, que lo recibió en 2006.

El auge del género infantil, registrado en los últimos años en Argentina, es un fenómeno que se da a nivel mundial, mencionó la reconocida editora Gloria Rodrigué, que es una especialista en la literatura para los más pequeños y acaba de fundar una nueva editorial.

"El género ha crecido mucho, pero no sólo en la Argentina sino en todo el mundo. Hasta no hace mucho la literatura infantil era considerada un género menor con el que las grandes editoriales no se metían o los vaivenes de la economía lo hacían fácilmente descartable", describió a Télam la flamante directora de "La Brujita de Papel".

"Con el libro infantil -apuntó- hay que tener mucha paciencia, hay que imponerlo. Y a veces no te alcanza la paciencia o la plata para hacerle el aguante. Un título para adultos si no va bien en tres meses, se deja. En cambio con los chicos se va muy despacio pero de una manera pareja. Es un material muy noble".

A su juicio la ilustración juega cada vez más un papel esencial en el rubro: "En este momento el ilustrador está casi de igual a igual con el autor. De alguna manera comparte la autoría".

"En la Argentina hay una cantidad de ilustradores excelentes que trabajan también en el exterior, realmente de primera. También hay muchos autores que han ido creciendo en su escritura. Muchas veces con más fuerza que los escritores orientados a la literatura para adultos", consideró Rodrigué.

"Los años que yo estuve en Sudamericana -"editorial que publicó 'Cien años de soledad', la novela emblemática de Gabriel García Márquez"- empezamos a editar libros infantiles con Canela (Gigliola Zecchin) y lo único que teníamos, que no era poco, eran los textos de María Elena Walsh. Tardamos unos diez años en que el género se impusiera y todo funcionara bien", recordó.

"Cuando me fui de Sudamericana, me dio pena dejar ese género. Y entonces decidí con mis cinco hijas empezar a armar algo -contó Rodrigué-. Salimos las mujeres de la familia a compartir el trabajo de esta nueva editorial".

La propuesta está dirigida a chicos de hasta 12 años, "que es cuando los padres le compran los libros. Pensamos hacer dos líneas: una más literaria y otra más lúdica, de libros de objetos, como unos de plástico (la colección Burbujitas) que acabamos de sacar".

"Lo que quisimos fue incorporar un plus a estos libros iniciales y sumar un pequeño texto que la madre le pueda leer. Que no fueran solo para mirar. Son para bebes que empiezan a sentarse en la bañadera, que no superen los 3 años. Y fui probando con mis propios nietos para ver como funcionaban", explicó.

El nombre de la editorial, "quisimos que estuviera relacionado con un personaje. Yo tengo una nieta pelirroja, que se llama Guadalupe y ahí surgió la brujita. La colección se llama Guadalupe Sinverruga y los tres títulos iniciales son de Cecilia Pisos. Es una autora que vive en México y me gusta mucho".

"Publicamos también un cuento de tapa dura sobre un hipopótamo, 'Hipo no nada', que había salido afuera pero no en español. Es una historia de Pablo Bernasconi, un escritor muy creativo del género infantil", opinó Rodrigué

Desde el principio, "la idea fue trabajar mucho, hacer ediciones muy cuidadas, no sacar uno detrás de otro. Quisimos el tiempo necesario para ocuparnos de los detalles, que es lo que marca la diferencia".

"Tardaron más de un año en aparecer estos primeros títulos e hicimos un pequeño concurso para encontrar el ilustrador de la brujita, que ganó O'Kiff de manera unánime. La impresión se hace en Uruguay, por eso hasta que el libro llega acá es como un parto", graficó.

La próxima etapa incluye unos libros de cartón para bebes con tres temas: "En el restaurante con los abuelos", "En el super con mamá" y "En el baño yo puedo solito", acerca de los hábitos.

"Ahora se usa mucho sacar pequeñas colecciones y después cambiar. No seguirlas, hacer otra cosa. Cuando son muy chiquitos, los chicos no coleccionan", afirmó la editora.

Para rematar este primer impulso, "sacamos un libro de la escritora cordobesa Cristina Bajo, sobre leyendas argentinas. Había salido hace muchos años atrás en Atlántida, pero la autora recuperó los derechos y me lo ofreció. Hicimos una edición totalmente diferente, con ilustraciones de Pez".

"El texto tiene un cariz educativo. En quinto y sexto grado se trabajó con leyendas, así que en la parte última del libro hay un espacio para trabajar en el aula", explicitó.

Rodrigué subrayó que el género infantil "es muy versátil" y que en el largo proceso de instalación de un título "hay que partir por explicarle el proyecto a los libreros -porque la venta empieza en un boca a boca- y hay que ir también a los colegios".

El escritor norteamericano logró ubicar su flamante novela en las listas de los best-sellers del momento. El autor comienza a ser celebrado como "el príncipe de la oscuridad" y ya no oculta que su padre es el reconocido maestro del terror Stephen King.

Tras una década de escribir casi en el anonimato, el escritor norteamericano Joe Hill logró ubicar su flamante novela "El traje del muerto" en las listas de los best-sellers del momento, y mientras comienza a ser celebrado como "el príncipe de la oscuridad" ya no oculta que su padre es el reconocido maestro del terror Stephen King.

Joseph Hillstrom King, tal su nombre completo, despide en los ojos un destello similar al de Stephen King en las tapas de su novela "La danza de la muerte". Durante 10 años, sin embargo, hizo todo lo posible por ocultar sus genes y moverse en las penumbras, pese al obvio parecido físico.

"Alguna vez alguien dijo que lo que importa es la narración, no el narrador. Siempre preferí hacerme a un lado, para no atraer la atención. Mantener el foco en mi ficción. Igual, cuando empecé a vender las historias nunca nadie me preguntó si Stephen King era mi papá. O sea que no tuve que mentir", aseguró el escritor en una entrevista.

Hill estaba tan decidido a hacerse su propio camino en el mundo literario sin aprovechar el nombre de su padre que le ocultó su identidad a su propio agente literario por diez años, pero ahora que tiene un best seller en sus manos -el eficaz thriller de terror "El traje del muerto"- el secreto parece no tener sentido ni fundamento.

Para su primera compilación de cuentos de terror, titulada "20th Century Ghost" y aún inédita en castellano, el escritor no consiguió ni una editora en Estados Unidos que lo publicara y por eso recurrió a una empresa independiente de Inglaterra, que fue sacando el libro en brevísimas ediciones.

Misteriosamente, los libros comenzaron a huir de los estantes. Lo mismo pasó luego con "El traje del muerto" (cuyo título original, "Heart-Shaped Box" está inspirado en un tema del grupo Nirvana), que narra la vampiresca historia de un coleccionista de objetos de personajes célebres.

La novela, publicada hace unos meses en Estados Unidos, fue recibida con mucho entusiasmo y hasta figuró en el top ten de los best seller de The New York Times.

Jude Coyne, el protagonista de la novela, es una estrella de rock retirada que vive en una apartada mansión, con su representante y su joven novia. Su hobbie, coleccionar artículos relacionados con la muerte, lo lleva a comprar un fantasma por Internet.

El protagonista recibe entonces una extraña caja en forma de corazón que contiene el traje del muerto, James Craddock, que empieza a aparecerse de manera obsesiva. En un ambiente de terror, cuando su asistente se suicida, Jude y su novia deciden abandonar
la mansión y emprender una desesperada huida para salvar sus vidas, aunque no es fácil escapar de los fantasmas.

Hill está lejos de ser el único miembro de la familia King que siguió los pasos de Stephen: su madre, Tabitha King, ha publicado durante décadas numerosas novelas y su hermano menor, Owen King, surgió en 2005 con una bien recibida nouvelle y colección de cuentos.

El único hermano que todavía no debutó en la literatura fue Naomi King, la mayor de los tres, quien a lo largo de su vida cambió de carreras como de camisa, aunque trascendió hace unas semanas que la joven está trabajando en un proyecto de no ficción:
un extenso estudio sobre el lugar en la cultura norteamericana del sermón como texto literario.

El miedo -en versión Hill- no paraliza al lector, sino que lo sumerge en un inquietante terreno en el que uno está temiendo casi siempre lo peor. Pero la vida está llena de giros imprevistos, y los viejos rockeros como Jude Coyne se resisten a morir a manos de
los espectros traicioneros, aunque la fecha esté señalada y lo anuncien por adelantado la radio y la televisión.

Las buenas historias -sean de amor o de terror- son aquellas que te llevan al territorio de la incertidumbre: "Le vas lanzando al lector las mismas preguntas que te planteas tú en el momento de escribir, que al fin y al cabo es una manera de enfrentarte a ti
mismo, de conocer tus obsesiones y tus temores, de intentar sacudírtelos de alguna manera", aseguró en una entrevista reciente.

Los fantasmas son una herramienta muy poderosa cuando escribes ficción. Son la gran metáfora del pasado que gotea sobre el presente. "Ahora bien, en el mundo real creo que la evidencia no es tan buena -explicó Hill-. Si el alma sale de una persona cuando
muere, hay cosas mucho mejores que hacer que quedarse aquí merodeando o metiéndonos miedo.

Pero también reconozco que no pasearía por un cementerio tranquilamente a la dos de la mañana". Hill habla prácticamente todos los días por teléfono con su padre, y aunque no echó raíces como él en en Maine y se instaló en cambio con su familia en la vecina New Hampshire, se ven con bastante frecuencia e intercambian manuscritos.

"El me pasó Cell, su thriller sobre los teléfonos móviles, cuando yo le pasé El traje del muerto. Nos dimos las opiniones respectivas como lectores; la opinión de la editora se la dejamos a mi mujer, Leonora", aseguró en un reportaje publicado por el diario The Independient.

"Desde chico me fascinaba lo que escribía mi padre. Cuando se escriben buenas historias de terror, se pueden incluir distintas cosas: humor, música, política, sexo, violencia. Mi libro se lo dedico a él, pero no sólo por la excelente relación que tenemos, sino, porque considero que es verdaderamente uno de los buenos", explicó en esa entrevista.

Fuente: Télam

Se trata de “La vida Brava”, una obra de la profesora uruguaya Helena Corbellini. Relata la vida del escritor a través de la mirada de quien fuera su segunda mujer, María Helena Bravo. Una joven que no dudó en casarse con él en 1927 a pesar de la diferencia de edad, para irse a vivir a plena selva misionera.

En "La vida brava", la profesora uruguaya Helena Corbellini recrea los
últimos años de vida de Horacio Quiroga a través de la mirada de quien fuera su segunda mujer, María Helena Bravo, una joven que no dudó en casarse con el escritor en 1927 a pesar de la diferencia de edad -casi 30 años- y en dejar Buenos Aires para vivir en plena selva misionera.

"Lo que hice fundamentalmente fue recolectar toda la documentación que había sobre Quiroga y después imaginarme a María Helena en esos casi nueve años que compartieron.

En una carta que Horacio le escribe a José Maria Fernández Saldaña, el 24 de diciembre de 1906, le dice: ’Estoy loco por hacer un poco de vida brava’", cuenta Corbellini en una entrevista con Télam.

Aunque el libro, recién publicado por sudamericana hace eje en la vida de María Helena junto al escritor, aparecen también perfiladas la joven Ana María Palacios y la adolescente María Esther Jurklowski, quien le inspiró el cuento "Una estación de amor".

Además, sobrevuela la infortunada relación del escritor con su primera mujer Ana María Cires, cuyo suicidio marcó la vida de Quiroga, y el cruce que tuvo con Alfonsina Storni, su única amiga mujer, "aunque muchos allegados a Quiroga de esa época afirmaban que hubo un romance entre los dos", asegura Corbellini.

"De la relación que Quiroga tuvo con Alfonsina me pareció muy importante el testimonio del salteño Enrique Amorím que ocupó el departamento que el escritor tuvo en la calle Agüero. El cuenta que siempre aparecía Alfonsina muy apenada, para ver si tenían noticias de Horacio", menciona.

Y por otro lado, el escritor Pedro Orgambide, en la biografía que él narra, incluye el testimonio de Benito Quinquela Martin: "según el artista, Quiroga le había pedido a Alfonsina que lo acompañara a Misiones y esta se negó".

Otro dato que se recorta en el libro al pasar es la conflictiva relación que Quiroga mantuvo con sus dos hijos mayores. Egle y Dario, que se suicidaron luego de la muerte del escritor. Y también Pitoca, la hija que tuvo con Maria Helena siguió los pasos de sus hermanos.

"El hijo de Quiroga, Darío, tres años antes de suicidarse dio una conferencia en Montevideo sobre aspectos desconocidos de la obra de su padre. Ahí no da la impresión de que se hubiera distanciado del escritor, aunque éste lo dice en sus cartas", apunta la profesora uruguaya.

La ficción en el libro "se esboza a través de la voz de María Helena Bravo, pero los datos que incluyo son todos reales. Lo único que hay de ella es una entrevista que el periodista Alberto Perrone le hizo en el año 1978.

Ella cuenta ahí que sus padres se habían opuesto al principio a su relación con Quiroga y le mandaron a Montevideo pero se siguieron viendo a escondidas.

"Con este libro -confiesa la autora- sentí que pude llegar a las honduras del personaje con mucho más fuerza desde una perspectiva literaria que con los datos aportados por sus biógrafos".

"Construir una mujer contestataria, moderna, fue uno de los objetivos de esta recreación literaria. Y creo que esta intención ayuda a configurar una imagen muy real de la verdadera María Helena, una joven que tuvo mucha fuerza para imponerse a un marido irascible, mucho mayor, y permanecer a su lado a pesar de que la relación se fue deteriorando con el tiempo".

"María Helena pudo sobrevivir a la locura y las excentricidades de su marido como no lo pudieron las otras mujeres a las que el escritor amó. Tuvo bravura para la vida -subraya la escritora- y una ambición propia que no le permitió convertirse en un apéndice de Quiroga".

Hay un cuento de amor -escrito ya cuando estaba casado con María Helena- "que muestra como Quiroga pensaba que el control de la situación lo tuvo siempre ella. Se llama ’El Ocaso’".

En el libro se adjunta el acta matrimonial de la pareja "porque fue el único documento que pudo obtener. Lo conseguí en el registro de La Plata. Y algunas fotografías de María Helena. Ella era muy bonita. Hay una en que aparece con Horacio, vestida con un kimono que disimula su embarazo. Fue la que dio pie a esta recreación, resalta Corbellini.

Fuente: Telam, por Mora Cordeu

Se trata de una exposición que reúne 60 piezas de los artistas Ramón Gómez Cornet y Alfredo Gramajo Gutiérrez. Ambos plasmaron en sus cuadros creencias, costumbres y tradiciones populares de sus regiones. Se podrá visitar hasta el 22 de julio en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA.

Una muestra de los pintores argentinos Ramón Gómez Cornet y Alfredo Gramajo Gutiérrez, quienes plasmaron a principios del siglo XX la identidad y costumbres de sus respectivas provincias, Santiago del Estero y Tucumán, se acaba de inaugurar en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA.

"Identidad y diferencia" es el título de la exposición que reúne más de 60 piezas de ambos artistas nacidos a fines de siglo XIX, quienes indagaron en las raíces de su tierra, y que se acercaron a las creencias y tradiciones populares de sus regiones en ese tiempo, muchas aun vigentes.

Se trata de una oportunidad única de admirar trabajos pocas veces vistos en museos y galerías -pertenecientes a colecciones particulares- de "dos grandes maestros que siempre hicieron referencia a su provincia de origen, en una época en que ya existía otro tipo de arte y en que avanzaban los ’ismos’ europeos", señaló a Télam la curadora y directora del Pabellón, Cecilia Cavanagh.

"Era una época en que la inmigración pasa a ser superior a lo nativo, entonces había una búsqueda muy importante de la identidad nacional y estos dos artistas focalizaron en eso. Además, el arte estaba abandonando lo académico para buscar la vanguardia, lo que estaba pasando en otro lado, el arte estaba en otra cosa", agregó.

Gómez Cornet (1898-1964), enmarcado en un realismo intimista, y Gramajo Gutiérrez (1893-1961), en un particular expresionsimo, "se conocían pero no eran amigos, para nada, al contrario había como cierta rivalidad, porque cada uno estaba destacándose en lo suyo aunque de distinta forma", contó Cavanagh.

El primero se formó en Europa pero volvió a Santiago del Estero en busca de su identidad, que plasmó especialmente en retratos de personas. "En esta muestra podemos apreciar la profundidad de todos sus retratos, obras de un intimismo muy marcado", resaltó la curadora.

"Retrataba a la gente de su provincia con mucha altura y dignidad, y aun así vemos miradas de dolor, estoicas, melancólicas o de mucha paciencia, mucha tranquilidad y mucho silencio, en una paleta baja y simple", detalló Cavanagh.

"Después de decantar mi emoción y templar la sensibilidad, para darle expresión plástica (...) quise desentrañar nuestra propia existencia y conducir las vivencias vírgenes, que son la fiel expresión de nuestro hombre y de nuestro paisaje", decía el artista santiagueño sobre su obra.

Por su parte, si bien el tucumano Gramajo Gutiérrez "también retrataba el pesimismo de su pueblo, esa humildad y esa resignación, lo contraponía con una paleta de colores bien llamativos, casi pop, algo extraño para la época".

"El baptisterio", "El ruego", el tríptico "El velorio", "Tucumán", "La bendición" y "El chango" son algunos de los títulos de sus piezas, inmersos en intensos colores -violetas, amarillos, naranjas, rosas- que sirven como registro de las costumbres y usos de la época y de la zona.

"Yo no pinto, documento", solía repetir este tucumano a sus alumnos de Bellas Artes, comprobable en sus cuadros donde se ven las mateadas, las guitarreadas, la zafra, la cosecha de la algarroba, las tejedoras, el paisaje de la puna, el aserradero.

La muestra incluye una suerte de bonus track: cuatro piezas de Gertrudis Chale -unos músicos peruanos, una postal de Bolivia, una imagen del norte y una gran obra titulada "Madres de América"-, artista europea que vivió varios años en la Puna y que reflejó muy bien, en esa misma época, la idiosincrasia del norte y de Latinoamérica.

Se podrá visitar la exposición "Ramón Gómez Cornet, Alfredo Gramajo Gutiérrez: Identidad y diferencia" hasta el 22 de julio, de martes a domingo de 11 a 19 en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA ubicado en Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero

Fuente: Telam, por Mercedes Ezquiaga

Alicia Dujovne Ortiz es autora de varias biografías rigurosas y de prosa tersa, como las de Eva Perón, Diego Maradona y María Elena Walsh, pero sólo la que acaba de publicarse: "El camarada Carlos. Itinerario de un enviado secreto", la atraviesa íntimamente.

Escrita en rigurosa primera persona, la historia de su padre, Carlos Dujovne, la interna no sólo en el terreno de su propia sangre sino en la del sueño revolucionario del siglo XX, del que ese hombre fue un protagonista apasionado.

"Toda la historia de mi padre cabía en un puñado de frases que ni siquiera salían de su boca", dice en la primera línea la autora, dispuesta a saldar una deuda y confirmar la veracidad del mito familiar.

Para ello, cotejó los relatos maternos escuchados mil veces con los de sobrevivientes y también con el contenido de carpetas secretas halladas en un viaje a Moscú, a los que se agregaron un centenar y medio de cartas escritas por su padre desde la cárcel.

Nacido en la colonias judías de Entre Ríos, Dujovne fue un dirigente destacado del comunismo argentino al que se unió a poco de su fundación en 1918 y siendo casi adolescente, pero luego de su renuncia al partido después de 1945 quedó olvidado, o más bien excluido de su relato.

"El Partido es una identidad. El que la pierde deja de ser hombre", reflexiona la hija de Carlos como un eco de aquel Milan Kundera desencantado, pero también rabiosa con la omisión de quien consagró la vida a una causa y es negado hasta por sus amigos.

La historia que reconstruyó arranca con el viaje de Carlos a la patria de sus padres en 1923 para participar personalmente en la Revolución Rusa, cuya extensión mundial en ese entonces se creía inminente,

Doctorado en ciencias sociales en Moscú, traductor del escritor francés Henri Barbusse en su entrevista con Stalin en 1927, fue regresado a América latina como emisario de la Internacional Sindical Roja con el alias de "Carlos Fuentes".

Ya como agitador y organizador sindical de la Kommintern se codeó con la crema revolucionaria de la región y hasta fogoneó el alzamiento de la marina chilena y la fugaz república de los soviets de Marmaduke Grove en 1932.

A su regreso clandestino a la Argentina conoce en la militancia antifascista a la escritora feminista Alicia Ortiz Oderigo, hermana el economista comunista Ricardo M. Ortiz, prima del escritor nacionalista Raúl Scalabrini Ortiz y sobrina de un general del GOU, luego relatora de las proezas de su marido cuya realidad o ficción su hija no alcanza a discriminar.

Es extraño que la autora de una biografía elogiosa hasta el extremo con la mujer más importante de Juan Domingo Perón no pierda ocasión de manifestar su antiperonismo visceral y la explicación puede leerse en este libro.

Uno de sus capítulos cuenta los viajes junto a su madre para visitar a Carlos, preso en la cárcel de Neuquén junto a todo el comité central del PC desde el golpe del 4 de junio de 1943.

La salida de Carlos del partido es presentada como un acto de pérdida de fe tras el ascenso del peronismo, similar al que viven otros intelectuales como Rodolfo Puiggrós, Manuel Sadovsky, Cora Ratto, Eduardo Astesano o Juan José Real, cuyos caminos luego se bifurcan. Su posterior acercamiento al presidente boliviano Hernán Siles Suazo, al que asesoró en los 50, sugiere una aproximación al nacionalismo revolucionario.

En cualquier caso, Carlos se fue del PC en silencio, internándose en la muerte civil y llevándose sus secretos con la revolución a la tumba, en 1973, según los códigos estrictos de esos tiempos y que hoy resultan inentendibles..

"El no haber pronunciado a tiempo alguna sencilla frase por el estilo de: 'Carlos, o papá, o viejo, o camarada, estoy orgullosa de vos', termina por acarrear inmenso trabajo", confiesa Alicia Dujovne Ortiz casi al final de este libro catártico y reparador, lograda pintura de un clima de época.

Fuente: Télam, por Rubén Furman

Sucedió en Austria y pertenecía a la colección privada de un diplomático ruso. La pieza, fechada en 1920, es un dibujo firmado a lápiz sobre papel que lleva como título "Corrida".

Un dibujo a lápiz del artista español Pablo Picasso, valorado en unos 240.000 dólares, fue robado ayer en Austria de la colección privada de un diplomático ruso, según informó hoy la policía austríaca.

El dibujo fue sustraído junto a otras piezas de arte y artículos de lujo valorados conjuntamente en 55.000 dólares, según informó el diario español El Mundo.

La pieza del artista español, fechada en 1920, es un dibujo firmado a lápiz sobre papel de 31,8 centímetros de ancho y 22,5 centímetros de alto que lleva como título "Corrida" y representa a un toro embistiendo un caballo postrado en la arena de un ruedo.

Junto a esta obra robaron además un libro de bolsillo firmado por el artista y valorado en 1.600 dólares, así como otra pieza gráfica de menor valor titulada "Lisístrata".

La policía aseguró que por la forma de actuar se trata de una banda de ladrones profesionales que sabían exactamente los objetos que querían llevarse.

Los ladrones entraron en la vivienda por la ventana de un sótano cuando nadie se encontraba en el inmueble y robaron, junto con las piezas de arte, varios relojes de gran valor y trajes caros.

La policía indicó que en la casa del diplomático ruso no existía ninguna medida de seguridad como prevención y el director de la sección de robos de la policía de Baja Austria, Josef Grasel, declaró a la radio ORF que sólo había "un perro que se alegra cada vez que llega alguien"..

Fuente: Telam

La exposición del artista catalán se podrá visitar a partir del 22 de junio en el Espacio Fundación Telefónica, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires y en el Centro Cultural Recoleta. La misma está en formatos de fotografía, video, publicaciones, Internet e instalaciones multimedia. Se podrá disfrutar hasta el 5 de agosto.

Una colección de las obras del artista catalán Antoni Muntadas se exhibirán este viernes en el Espacio Fundación Telefónica, el Centro Cultural de España en Buenos Aires y en el Centro Cultural Recoleta.

La muestra "Muntadas/BS.AS." podrá visitarse desde este viernes 22 de junio hasta el 2 de septiembre en el Espacio Fundación Telefónica, entre el 22 de junio y el 18 de agosto en el Centro Cultural de España en Buenos Aires y desde el 27 de junio hasta el 5 de agosto en el Centro Cultural Recoleta.

La curaduría de la colección está a cargo de Laura Buccellato, con quien el artista multidisciplinar ya trabajó en dos exposiciones anteriores en el Museo de Arte Moderno (1997 y 2002).

La exposición, concebida por el artista para la ciudad de Buenos Aires, presenta obras que exploran la relación entre el espacio público y privado dentro de un marco social y que investigan los canales de información y censura para la difusión de ideas.

Los proyectos de Muntadas son realizados en distintos medios y formatos como fotografía, video, publicaciones, Internet e instalaciones multimedia. Muntadas cree que no existe una única audiencia sino muchas y diferentes, ligadas a situaciones e instituciones diversas.

Su proyecto trata de complementarse a través de lo que se muestra en lugares diversos de una misma ciudad. Con el objetivo de brindar al público un mayor acercamiento sobre la muestra, el Espacio Fundación Telefónica brindará una serie de conferencias en torno a la exhibición a cargo de los críticos Raymond Bellour, Jorge La Ferla y Robert Atkins

Fuente: Telam

Por Augusto Munaro

I
Acaso ningún poeta ha suscitado tanta polémica en cuanto a su estilo, como ocurrió con el argentino Baldomero Fernández Moreno. La razón es simple. Ninguno como él, trató durante toda una vida, reformular las bases de la poesía, intentando alcanzar la pureza absoluta en cada uno de sus versos a través de la sencillez. Acontecimiento que generó en el ambiente literario aduladores como también detractores.
Hijo de padres españoles, Fernández Moreno nació en Buenos Aires en 1886. A los seis viajó junto a su familia a España, para vivir en Bárcena y luego Madrid, hasta 1899; año en que retornan a la Argentina. De este período, el poeta lo supo rememorar en Aldea Española, uno de sus más de veinte libros escritos.
Pronto comenzó a estudiar medicina-se recibió en 1912- y a componer sus primeros versos. Desde entonces, es identificable su temprana reacción contra la artificialidad de los modernistas. Son años de humilde felicidad, ya que se desempeña en Chascomús, haciendo las dos cosas que más quiere, trabajar y producir poesía:

“Me gusta hacer a pie mis visitas de médico,
Sobre todo en las tardes iguales del buen tiempo.
El aire está impregnado de perfumes diversos:
el de los paraísos, tan fuerte, que da vértigo,
el de las madreselvas y rosas de cercos,
acacias del camino, glicinas del alero,
y el vaho de azahar que dan los patios viejos.
Me gusta hacer a pie mis visitas de médico…
Olerán, en mis manos, a flores los enfermos.”

En 1915 publica su primer libro, Las iniciales del misal, luego Ciudad (1917), Campo Argentino (1919), Versos de Negrita (1920), Cantos de amor, de luz, de agua (1922), Romance y seguidillas (1936), entre muchos otros. Se casó y tuvo varios hijos, uno de ellos el reconocido poeta César Fernández Moreno. Siempre como descubridor de la poesía que se oculta en lo cotidiano, utiliza en todos estos libros, versos simples. Gracias a su capacidad de observación, y con una brevedad casi epigramática, supo ver lo que lo rodeaba con notable nitidez. Así, con imágenes directas, a veces casi triviales, comprendió ilustrar de manera sintética el mundo, a través de una sobria castidad formal.

“Soy esa fuentecilla de la plaza
en la que beben pájaros y niños.
Un soporte, una pila,
y un capullito de agua cristalino.”

Hacia 1924 deja la medicina y obtiene varias cátedras de literatura e historia en colegios secundarios. Algunos de sus galardones fueron: el primer premio municipal por Aldea española (1925), y segundo premio nacional con Décimas y poesía en 1928. En 1934 se incorpora a la Academia Argentina de Letras. También fue presidente de la Sociedad Argentina de Escritores (SADE). Fernández Moreno llevó una existencia silenciosa, de recoleto, dedicando sus días a su pasíon, la poesía. Murió el 7 de julio de 1950.
Vale destacar que además de su copiosa obra lírica, escribió también en prosa. Estos trabajos- casi todos aún inéditos-, son: Quiosco, Guía caprichosa de Buenos Aires, Un hilo de araña y otros hilos, y su autobiografía Vida. En estos libros impera una agudeza imperturbable a través de un estilo minucioso.
A pesar que aún no se han editado en forma ordenada sus obras completas, Baldomero Fernández Moreno existe en inumerables antologías. Varios de sus poemas, como Setenta balcones y ninguna flor, alcanzaron la memoria del pueblo argentino.
II
Su obra se puede desmenusar en tres etapas, de 13 años cada una. De 1910 a 1923, la época sencillista- donde propone la espontaneidad-desde entonces hasta 1937, la formal- en pos de la virtud literaria- y por último hasta su muerte, la época sustancial donde busca una síntesis entre el sentimiento y la forma.
Escrutar el estilo sencillista de Fernández Moreno. No es tarea facil. En parte porque es dificil nombrar su escuela, una síntesis entre espontaneísmo y verismo. A la aparición del primer libro suyo, Las Iniciales del Misal de 1915, la poesía era mayoritariamente representada por los modernistas Leopoldo Lugones, Amado Nervo, Dalmira Agustini, Herrera y Reissig y Ruben Darío.
Para ellos, la poesía significaba- entre otros artificios idílicos- la construcción de temas y figuras mitológicas griegas y escandinavas. Vivían incorporando en su arte, elementos de la estética de los parnasianos franceses, como también de la escuela simbolista, inclusive de los prerrafaelistas del siglo XIX. La exuberancia y la búsqueda de efectos decorativistas era la receta para su poética. Como consecuencia, los modernistas divorciaron a la poesía del lenguaje común, y erigieron una estética preciosista, donde lo exótico y lo onírico imperaban a través de vocablos como: perlas, lapislázuli, cetro, ninfas, cisnes, oro, rubí, terciopelo, relicario, seda y tantos otros.
Se crearon como resultado, sonidos inauditos, un léxico raro, adjetivación infrecuente y una asociación de ideas bizarras, absolutamente anacrónicas. Basta citar una estrofa de El suspiro, del modernista Julio Herrera y Reissig para comprobar el tipo de poesía que se apreciaba entonces:

“Quimérico a mi vera concertaba
tu busto albar su delgadez de ondina,
con mística quietud de ave marina
en una acuñación escandinava…”

O este otro titulado Fiat Lux:

“Sobre el rojo diván de seda intacta,
con dibujos de exótica gramínea,
jadeaba entre mis brazos tu virgínea
y exangüe humanidad de curva abstracta”

Lo rebuscado alcanza su florecimiento. De este esteticismo extremo nació
el estilo de Baldomero Fernández Moreno, el primero en rebelarse en contra del excentricismo modernista y recordar que la poesía es antes que nada pureza.
Así es como Fernández Moreno intenta quitar el manto de solemnidad para refrescar la lírica en su absoluta desnudez. Se encargó de bajar del Limbo la poesía para depositarla en la tierra. Lo hizo a través de un sistema meticuloso de depuración formal que le llevó toda una vida de perseverancia, alcanzando algunas de “las mejores consonancias del idioma” como aseguró Vicente Barbieri.
Fernández Moreno regaló en sus libros, una lírica llana, diametralmente opuesta a las formas ostentosas de entonces. Aquí lo verifica en el breve poema Una casa:

“Casita blanca, al fondo, sin rumores
plátanos quietos, rústico cercado,
simpleza de caminos, pocas flores…
No hueles a jardín, hueles a prado…”

Sus versos revelan valores perdurables como el lenguaje austero y el desapego por fórmulas rítmicas obsoletas. Así logró alejar a la poesía del aristocraticismo literario-hasta entonces-galana y señoril. Puso fin a la oscuridad poética y se manifestó en contra de los liristas de laboratorio, que por amor a la palabra terminaron por elevarla hasta lo inaccesible, lo hermético.

III
Su objetivo era realista y materialista puesto que se encarga de la transcripción de la realidad inmediata. Su sencillismo -su método poético- consistía en destruir aquellos vocablos que nada dicen.
Claro que en ciertos casos, por rescatar lo poético de la realidad inmediata con temas de corte familiar como el crepúsculo, el alba, las calles, el campo, la ciudad o el barrio; corrió el riesgo de permanecer demasiado cerca del simplismo, como en Crepúsculo:

“El cielo azul
con una nube blanca.
El cielo azul
con una nube rosa.
El cielo azul
con una nube de oro.
Y un pajarito negro.”

Este tipo de composiciones le causaron fuertes críticas, sobre todos de aquellos apreciadores de Lugones y Darío. Se lo acusó de ser autor apoético, chabacano, considerándolo un poeta plebeyo. En otras palabras: vulgar y prosaico. Controversia que aún exige aclaraciones.
Para Fernández Moreno el sencillismo, su forma de poetizar, signifió cantar con humildad sus vivencias como ser humano, lo que a veces- por ser demasiadas simples y próximas- generó cierta confusión. Quizás su despreocupación formal sea la primera causa de sus únicas-y reprochables- limitaciones.
Pero su equilibrio de idioma -justo medio entre los excesos tanto del modernismo como de la vanguardia- hicieron posible poemas de saludable vitalidad. Un ejemplo es Madrugada:

“Madrugada, madrugada…
Las estrellitas están
bañándose en agua clara…”

o Caminos, de 1923:

“Huyo, siempre que puedo,
de las frías veredas.
Prefiero los ladrillos
con musgo, en las afueras.
Pero amo, sobre todo
los senderos de tierra.
Mejor con una que otra
hojita amarillenta.”

Su mayor logro consiste en sus procedimientos estilísticos; donde la concisión y justeza -siempre irreductibles-, se orientan hacia una estética sincera, logrando así acercar la poesía a la vida. Para Baldomero Fernández Moreno, la vida es poesía. Quien lee sus poemas revive con felicidad el mundo.

Numerosas actividades culturales para profundizar los vínculos entre ambas ciudades se realizan desde ayer y hasta el 15 de julio. Habrá muestras de fotos, proyección de películas, obras de teatro, lecturas, mesas de debate y seminarios. La idea es tomar a los dos célebres autores como puente entre lugares tan lejanos.

Numerosas actividades culturales para profundizar los vínculos entre ambas ciudades se realizan desde ayer y hasta el 15 de julio. Habrá muestras de fotos, proyección de películas, obras de teatro, lecturas, mesas de debate y seminarios. La idea es tomar a los dos célebres autores como puente entre lugares tan lejanos.

Numerosas actividades culturales para profundizar los vínculos culturales entre Praga y Buenos Aires a través de sus máximos referentes literarios -Borges y Kafka- se realizan desde ayer y hasta el 15 de julio en distintos puntos de la ciudad.

Con muestras de fotos, proyección de películas, obras de teatro, lecturas, mesas de debate y seminarios, la idea de esta iniciativa es tomar al autor de "El Aleph" y al creador de "La metamorfosis" para ahondar en los lazos culturales entre estas dos lejanas ciudades, cuyo acercamiento comenzó en 2004 con un acontecimiento similar realizado en la República Checa.

Destacados intelectuales checos como Ivan Klima, Arnost Lusting, Jifií Koleako, Mariana Houskova, Josef Cermak, Radek Vesely y Jan Jindra participarán del seminario "Borges-Kafka" -la actividad más destacada del encuentro- junto a los argentinos Santiago Kovadloff, Ana Guillot y César Visos, además de la viuda de Borges, María Kodama.

"Realizamos este acercamiento a partir de dos autores importantes, que buscaban las raíces comunes, que fueron vanguardistas y que tuvieron una obra totalmente nueva y sorprendente", destacó a Télam la encargada de negocios de la Embajada de la República Checa, Blanka Kovacsova.

Kovacsova destacó el nivel de los expositores y artistas checos que participarán de las jornadas y calificó este encuentro de "lo más importante que se viene haciendo entre ambas ciudades".

"Los dos fueron precursores de su época -dijo por su parte la ministra de Cultura porteña, Silvia Fajre-, ambos se animaron a tener una mirada incisiva en la realidad desde un relato no convencional, desde un relato ficcional que, con su agudeza, nos permitió adentrarnos en los temas más profundos del ser humano".

Catalogado como el acontecimiento más relevante de la nutrida programación, el seminario "Borges-Kafka" tendrá lugar los días martes, miércoles y jueves próximos, en la Casa de la Cultura, donde se hablará de "Borges. Un eterno desafío para el editor checo", "Kafka como ’enemigo’ del Estado" y "lo judío en Kafka y Borges", entre otras temáticas.

Además, se podrá ver una muestra de fotos que incluye una selección de imágenes sobre las ciudades de ambos escritores, tomadas por artistas locales y checos, otra que reúne las instantáneas en torno a los viajes de Kafka y una tercera sobre los años 30 y el Buenos Aires de Borges.

La nutrida agenda de actividades, que tendrá lugar a lo largo de casi un mes en espacios culturales de la ciudad, abarca también una atractiva mesa de debate sobre la influencia de ambos escritores en las nuevas generaciones, con la participación del músico Pedro Aznar y el cineasta Tristán Bauer, el 6 de julio a las 19 en el Centro Cultural Plaza Defensa.

Se proyectarán documentales y películas relacionadas con la obra de los escritores, habrá una obra de teatro basada en un cuento de Kafka y se realizarán lecturas de poemas y fragmentos en el Centro Cultural Borges, que como todas las actividades de la programación, tendrán entrada libre y gratuita.

Fuente: Telam

"Hacia Chihuahua" es la exposición que reúne 18 obras del pintor italiano Gianfranco Notargiacomo, en la cual combina formas y colores que intentan expresar un “sentimiento interior”. Podrá visitarse hasta el 1 de julio.

La muestra, conformada por una serie titulada "Hacia Chihuahua" (18 pinturas, de 1 por 1,5 metros) y un cuadro denominado "Roma absoluta" (de 2,75 por 5,18 metros), podrá visitarse hasta el 1 de julio.

"Post-Abstractismo romano" se trata de una exposición inédita, que reúne un conjunto de obras realizadas por Notargiacomo en 1997 pero nunca antes expuestas. También, se exhibe otro cuadro de grandes dimensiones, "Roma absoluta", que no pertenece a esta serie y fue realizado por el artista en el 2003.

Una reproducción de dicha obra fue comprada por la Municipalidad de Roma. "Fue un trabajo que siempre lo mantuve escondido y recién ahora lo muestro en Buenos Aires", comentó Notargiacomo a Télam para quien "el propósito del arte abstracto es prescindir de todos los elementos figurativos con el objetivo de concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual". Así, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza.

"Ya no representa hombres, paisajes, casas ni flores, sino combinaciones de formas y colores que intentan expresar el sentimiento interior", subrayó. Continuando con esta corriente, Notargiacomo expresa -desde los comienzos de los 70- un regreso a los modelos del abstractismo de los años `50 pero con la introducción de elementos figurativos.

"Con los happenings y el pop-art, en el centro de la escena artística de los años 60, se abandonó la pintura, sentenció el artista y sostuvo que su forma de pintar se puede sintetizar en "un modo de representar sin representar".

En la muestra, el artista presenta la serie "Hacia Chihuahua" donde en las líneas negras gruesas, realizadas con gran fuerza y desenvoltura permanecen restos de figuración que remiten al esbozo de las vías del tren, un tiempo histórico en el cual Notargiacomo se inspiró.

Otro de las elementos característicos en la obra de Notargiacomo es la fuerza, entendida como fuente de comunicación libre y alternativa, un elemento que se evidencia en la exposición "Le nostre divergenze" (realizada en 1971), donde una habitación repleta por pequeñas figuras de hombres expresa la crítica a la masificación de los medios y la moda de esconderse detrás de un signo.

Regresando a la década del 70, momento en el que surgió la corriente en la que Notargiacomo se identifica, el artista recordó: "Junto al reconocido artista Sandro Chía, propusimos en 1973 un conjunto de auto-retratos en una galería de Roma llamada "La Tartaruga".

Sin embargo, el éxito de esa iniciática exposición no fue la esperada. "Estábamos los dos, el galerista y nadie más. Todo el mundo estaba concentrado en el pop-art y los happenings, era demasiado temprano para un regreso a la pintura".

Una situación que se revertiría meses más tarde cuando "hubo una recuperación de la figuración". La exposición "Post-Abstractismo romano" podrá visitarse hasta el 1 de julio en el Centro Cultural Borges, Viamonte y San Martín.

El premio Nobel de Literatura José Saramago consideró que los ciudadanos deben manifestar su disconformidad con quienes los gobiernan, en un mundo donde los partidos de derecha siguen comportándose como siempre, pero "la izquierda ha dejado de ser izquierda".

"Antes nos gustaba decir que la derecha era estúpida, pero hoy día no conozco nada más estúpido que la izquierda", indicó Saramago durante la última jornada del ciclo 'Lecciones y maestros', que durante tres días reunió en Santillana del Mar a escritores, críticos literarios y profesores en torno a las figuras de Carlos Fuentes, de Juan Goytisolo y del escritor portugués.

Saramago dedicó gran parte de su intervención a expresar su preocupación por el mal funcionamiento del sistema democrático y por el hecho de que los gobiernos sean "los comisarios políticos del poder económico".

"Al mundo lo dirigen organismos que no son democráticos, como el Fondo Monetario Internacional, el Banco Mundial o la Organización Mundial de Comercio", dijo Saramago, quien invitó a los ciudadanos a "perder la paciencia"' y a hacer algo para intentar cambiar la situación.

"Es hora de aullar, porque si nos dejamos llevar por los poderes que nos gobiernan, y no hacemos nada por contrarrestarlos, se puede decir que nos merecemos lo que tenemos", destacó el autor de "Todos los nombres".

A los 84 años, el escritor cree que ya "no queda mucho tiempo" para tratar de cambiar el mundo: "Estamos llegando al final de una civilización y se presentan tiempos de oscuridad: el fascismo puede regresar", aseguró.

Entre pinceladas y tejidos de todos los colores del arcoiris, 13 refugiados exponen la muestra “Refugiados en el Arte”, que se inaugurará el próximo 20 de junio a propósito de la celebración del Día Mundial del Refugiado. La exposición, organizada por la ACNUR, se realizará el la sede del Centro de Estudios Latino